Noticias

El explosivo regreso de Ac ⚡ Dc y una entrevista imperdible con Brian Johnson

La triste despedida, su recuperación, el nuevo disco, el streaming y mucho más en un mano a mano imperdible con el mítico vocalista

Hace semanas la legendaria banda australiana nos había empezado a dar indicios de que algo nuevo se traía entre manos. Algunos fanáticos incluso pensaron que el mensaje iba a ser de una triste despedida, pero lejos de eso, Ac/Dc vuelve a sus orígenes, en lo que a miembros que conforman la banda se refiere, y no solo está de vuelta, sino que lo hace con un nuevo single.

“Shot in the dark” trae de vuelta el sonido que tanto extrañábamos de la banda y es un adelanto de lo que será su próximo álbum de estudio, después de 6 años, titulado «PWR UP» y que verá la luz el próximo 13 de Noviembre.

Desde el aclamado Rock or Bust lanzado en 2014 la banda pasó por delicadas y dolorosas situaciones. Ya sea por la salud de su vocalista Brian Johnson o por la triste partida de Malcolm, Ac/Dc parecía estar en la cuerda floja. Algo que trajo muchas especulaciones sobre el final de la mítica banda. Pero Ac/Dc se reinventó de una manera increíblemente fresca y el encargado de esta resurrección no podía ser otro más que Angus.

Siendo realistas, no podíamos aceptar que la banda tuviera su regreso con cualquier músico detrás de los instrumentos (o del micrófono), por más bueno que este fuera. Si no era alguien que realmente tuviera la esencia del rayo en sus venas, simplemente iba a terminar sonando a algo similar a Ac/Dc.

Tras la recuperación del problema de audición de Johnson, el guitarrista líder de la banda se encargó de reunir de nuevo a la familia. El bajista Cliff Williams y el baterista Phil Rubb, quienes habían dejado la banda por motivos personales, están de vuelta en casa y hacen sonar a Ac/Dc con el sonido característico de siempre.

Ahora sí, y con todas las piezas en su lugar, entremos en los detalles del gran regreso de una de las mejores bandas de Rock de toda la historia. Y detalle no menor, una de las más longevas de la historia.

PWR UP trae consigo 12 canciones cargadas del más puro rock al que estamos acostumbrados

1. “Realize”

2. “Rejection”

3. “Shot in the Dark”

4. “Through the Mists of Time”

5. “Kick You When You’re Down”

6. “Witch’s Spell”

7. “Demon Fire”

8. “Wild Reputation”

9. “No Man’s Land”

10. “Systems Down”

11. “Money Shot”

12. “Code Red”

Pero… ¿Cómo saber eso si todavía no tenemos la oportunidad de escucharlo completo? Simple, a través de las palabras de los propios miembros de la banda.

“Las nuevas canciones salieron con una determinación parecida, esa convicción que te lleva a decir: ‘Vamos a hacer esto bien, de la mejor manera’. Y así nos movimos. Me sentí muy feliz de volverme a encontrar con mis amigos”, cuenta Brian sobre las sesiones en los estudios Warehouse de Vancouver, Canadá. Y agrega “Con los años, tu voz se hace más suave, le ponés más melodía al canto. Y creo que se notó en este disco. Lo van a ver en otras canciones como Code Red; me encanta la base de ese tema. Y también es fabulosa System Down, te dan ganas de rockear siempre. Cuando entro al estudio y tengo la letra delante de mí, intento sentirla, meterme en la canción y hacerla propia. Cuando el disco estuvo listo me mandaron una copia y lo primero que hice cuando terminé de escucharlo fue mandarle un mail a la gente de Sony Music para decirles: “Me siento mal por el muchacho que esté a cargo de elegir el single” (risas). Es una tarea complicada, creo que cualquier canción de las 12 podría ser single”

Aparte de las nuevas canciones, el vocalista también contó sobre todo lo acontecido con su salud.

“Fue terrible por el momento en que me sucedió. Fue como dejar una familia; no había nada que pudiera hacer y simplemente lo que hice fue irme a mi casa. No tengo redes sociales, ni nada de eso como para enterarme de los comentarios. Volví a casa y tomé mucho whisky (risas). Y después me llegaron mensajes de apoyo de fans de todo el mundo (Argentina, Brasil, España, ¡de todos lados!). Miles y miles de mensajes. Eso realmente me ayudó a atravesar ese momento tan oscuro.”

Johnson también cuenta a detalle lo ocurrido después de tener que dejar a la familia

«No había nada que hacer. Los chicos estaban en medio de un gran tour por Estados Unidos. Creo que quedaban dos o tres meses más de gira con todo el staff en el camino. No es fácil decidir parar con una puesta tan grande como la de AC/DC. Entonces me dijeron: “Brian, no queremos que te quedes sordo, así que es necesario que te tomes un tiempo”. En esa etapa de recuperación tuve la suerte de conocer a un médico que me dijo: “Voy a hacer que puedas cantar en un escenario de nuevo con este nuevo dispositivo”. No podíamos decir nada antes, porque teníamos el pacto de no hacerlo, pero ya se enterarán todos pronto. Ese aparato en el oído me cambió la vida porque pude volver a escuchar la música. Fue como aprender a caminar de nuevo.«

¡Todos estamos enormemente felices al leer esas palabras! 

Lo ocurrido con Malcoml no fue tema ajeno a la entrevista y Brian lo cuenta así:

“No somos gente muy espiritual, pero por momentos nos dábamos cuenta de que Malcolm estaba ahí también. En algunos shows miraba por encima de mi hombro, porque lo tuve al lado mío por 34 años, a un metro de distancia, guiñándome el ojo y haciéndome chistes. Ahora espero que todos puedan escucharlo en este disco. No pudo grabarlo, pero está presente en cada nota”

«Malcolm siempre estuvo ahí. Como diría Angus, la banda fue idea suya. En el estudio hay que tener cuidado al mirar alrededor porque parece estar ahí.«

La vuelta a los escenarios, el Streaming y la gran conexión de la banda con Argentina

“No puedo esperar para volver. Estábamos todos emocionados, y después vino el virus, y dijimos: Bueno, entonces tal vez esperaremos unas seis semanas y todo estará bien. Y aquí estamos, es tan frustrante… Pero te recuerda que todo el mundo está en la misma situación y todos tienen que hacer esto, sin importar lo que pase. Tienen que esperar y tener la esperanza de que se vaya esta cosa. Porque no me puedo imaginar a mí mismo sin volver a un escenario. Y volver a Argentina, claro. Todos los que conozco alrededor del mundo me hablan del show en River Plate. Todo el mundo me dice “qué increíble esa noche”. Fue un show y una película, al mismo tiempo. Jamás vi algo así y no creo que nadie lo haya visto tampoco. Me enorgullece hacer música que provoque eso”

Cuando se le preguntó al musico sobre volver a nuestro país, él respondió con gran entusiasmo

“¡Absolutamente! Quiero escuchar al público argentino cantar de nuevo. Nada es seguro con esta cosa. Yo ahora estoy en Inglaterra, y parte del país ahora está volviendo al aislamiento total. Es un poco triste, ¿verdad? Pero creo que saldremos de esto. Quiero subir al escenario y ver a Phil (Rudd), que es fantástico, escuchar las líneas de bajo de Cliff (Williams), a Angus, tan brillante y veloz, y al pequeño Stevie.

En pocas palabras Johnson dejó en claro que le gustaría probar la idea de hacer un show en streaming, pero que no cree que se pueda plasmar la emoción de un concierto en vivo

“Son una gran idea. Lo hemos pensado. No sé si saldrá bien, si estará bueno. Si llega a ser la única salida que tenemos, lo haría. Pero no sé si funcionará, sin poder sentir la atmósfera que se crea en vivo con la audiencia. Sé que en Newcastle están haciendo shows en un campo enorme con capacidad de hasta seis personas por cada lote. Hicieron tres recitales grandes, pero ahora pararon porque volvimos al aislamiento. La raza humana siempre encuentra la forma para superar los problemas, pero, ¿quién sabe? Tal vez hagamos un concierto en la Luna al que nadie pueda ir (risas)”

Bien conocido es que al cantante lo conforman dos pasiones, la música y los autos clásicos

«¡Son todo para mí! -Dice al respecto – Me encantaba correr carreras, pero ahora con la banda reunida nuevamente, va a ser difícil volver a las pistas. Amo los autos modernos, soy un coleccionista, y sé que en Argentina también se vuelven locos por los autos«

Conociendo esto se nos abre una gran intriga. Si tuviera que elegir. ¿Cuál de las dos pasiones ganaría?

Y como no podía ser de otra forma…

“Elegiría la música, por un tema de pasión: ahí no hay dónde esconderse. Si sos honesto, la gente va a creer lo que decís. En nuestro caso, cuando la gente mira a Angus sabe que no está actuando. Una vez me dijo: “Soy tres personas distintas: una en casa, otra de gira y otra cuando me pongo el uniforme de niño”. No hay ninguna ciencia detrás de nuestro estilo, nos sale naturalmente. La marca que dejaron Angus y Malcolm en la música es única y no se parece a ninguna otra cosa: AC/DC suena a AC/DC.”

El nuevo single, así como su próxima producción discográfica, fue rescatada de grabaciones que Malcolm Young, creó junto a su hermano Angus en 2008.

“Shot in the Dark” Tiene esa gran vibración de AC/DC, gran fanfarronería y un buen canto de rock & roll de AC/DC”, dice Angus. El título es un poco descarado porque a todos nos gusta un pequeño trago en la noche o unos pocos tragos en la oscuridad. Me alegré mucho, cuando la compañía discográfica lo escuchó sintió que era una canción muy fuerte y que debería ser la primera que la gente escuchara.

 La canción es un suspiro de aire fresco. Un Riff bien marcado, una batería firme sin grandes cambios, la voz al frente de Brian anunciando que el paso del tiempo no es motivo para que su potente voz no pueda seguir en línea. Un bajo clásico tanto en sonido como en rítmica.

¡Ac⚡Dc está devuelta y es motivo de celebración!

Pero seguramente muchos fanaticos alrededor del mundo notaron lo que voy a escribir a continuación.

Malcolm cambió la perspectiva de guitarrista rítmico dentro de una banda y fundó el sonido junto a Angus. Un sonido muchos más allá de todo. Si se puede definir Rock en una sola banda, seguramente, esta sería Ac/Dc. En los coros de «Shot in the dark» se nota la ausencia de Malcolm. Para nada afecta la esencia de la banda. Como bien claro lo dejó Brian “Ac/Dc suena a Ac/Dc” pero siempre vamos a notar el espacio que dejó este gran músico. Lo mejor que podemos hacer es seguir atesorando los grandes discos, las grandes giras y anecdotas. Seguir adelante recordando siempre a quien será uno de los fundadores de una de las banas de Rock mas grandes de la historia.

Long live to Malcolm Young, Long live to Ac⚡DC

Andrés Laciko 

Noticias

𝔽𝕚𝕟𝕒𝕝𝕞𝕖𝕟𝕥𝕖 𝕝𝕝𝕖𝕘ó 𝕖𝕝 𝕕í𝕒. ℍ𝕒𝕝𝕝𝕦𝕔𝕚𝕟𝕒𝕥𝕖 𝕤𝕖 𝕔𝕠𝕟𝕧𝕚𝕖𝕣𝕥𝕖 𝕖𝕟 𝕦𝕟𝕒 𝕞𝕒𝕣𝕒𝕧𝕚𝕝𝕝𝕒 𝕒𝕦𝕕𝕚𝕠𝕧𝕚𝕤𝕦𝕒𝕝

Design & Animation: The Mill – Director: Lisha Tan

Si hay una canción que amamos dentro de Future Nostalgia, es Hallucinate (Bueno está bien, amamos todo el álbum)

Desde que escuchamos Hallucinate por primera vez, muchos sentimos la necesidad de tener su videoclip, y como repetí en varias ocasiones, también la necesidad de tener su coreografía oficial.

Finalmente, hoy salió el tan esperado clip.

Dua Lipa apuesta una vez mas a la animación, pero esta vez no lo hace con una propuesta futurista como en Break My Heart, sino que en Hallucinate, tenemos una versión animada mas retro, ambientada en la década de los 30. Trayéndonos como recuerdo primero a nuestras mentes, al ícono de la animación de esa época, Betty Boop. Los pisos cuadriculados en blanco y negro, que aparecen por momentos, acompañan a esta temática, donde no dejamos de tener referencias explícitas a la alucinación. Mientras, vemos como una Dua animada pasa por distintas etapas y estados emocionales en este viaje.

La animación es una maravilla, por lo que convierte a Hallucinate, en una maravilla audiovisual. Pero para completar esta experiencia Dua nos invita a algo. Y te preguntarás ¿a qué?

Abajo del video aparece el #360RA y en la descripción del mismo podemos leer:

 🎧PUT YOUR HEADPHONES ON to listen in immersive 360 Reality Audio #360RA 🎧

Esta versión viene acompañada con sutilezas y detalles sonoros que la versión de estudio no trae. Estos sonidos complementan la experiencia visual que propone el video, creando así una nueva y completa experiencia. Así que, usen auriculares y disfruten.

La temática es explícita e interesante para analizar en detalle, como las flores que llevan a Dua a este viaje, o el payaso que se convierte en una calavera en el minuto 2.30, por lo que probablemente haya un post dedicado exclusivamente a su análisis, asi como lo hay de Physical.

Si todavia no lo viste, acá te dejo el link: https://criaturasmusicales.art.blog/2020/05/07/physical-dua-lipa/

Si bien la temática retro marca como eje a esta canción, el esquema futurista de Future Nostalgia no podía quedar de lado, por lo que al final del video nos acercamos a ese aspecto con una animación similar a la de Break My Heart.

🄻🄰 🄳🅄🄰 🄰🄽🄸🄼🄰🄳🄰 🄱🄰🄸🄻🄰🄽🄳🄾 🄰🅁🅁🄸🄱🄰 🄳🄴 🄻🄰 🄱🄾🄻🄰 🄳🄴 🄴🅂🄿🄴🄹🄾🅂 🄴🅂 🅃🄾🄳🄾 🄻🄾 🅀🅄🄴 🄴🅂🅃🄰 🄱🄸🄴🄽

Personalmente creo que es la descripción gráfica que puede definir el sonido de este álbum.

Evidentemente vamos a tener que seguir esperando por una performance en vivo para poder conocer y disfrutar de la coreografia este temazo. Mientras, sigamos disfrutando de Hallucinate, ahora con una propuesta audiovisual en 360.

sǝ̗ɹpu∀
ʞɹɐp ǝɥʇ uı ɓuıɔuɐp oɓ s’ʇǝ˥

Recomendaciones

Ⳙⲛ ⲥⲅⲟ⳽⳽ⲟⳳⲉⲅ ⲧⲇⲛ ⲓⲛⲉ⳽ⲣⲉⲅⲇ𝖽ⲟ ⲥⲟⲙⲟ ⲛⲉⲥⲉ⳽ⲇⲅⲓⲟ: Ⲧⲉⲅ ⲩ ꓓⳙⲇ Ⳑⲓⲣⲇ 💎 👑





El pasado 27 de marzo llegó a nosotros el 2do álbum de estudio de Dua Lipa, Future Nostalgia. Un álbum que, entre tantos hits, desprende uno muy particular y del cual tenes un análisis detallado dentro de Criaturas Musicales. Por si no lo viste acá te dejamos el link: https://criaturasmusicales.art.blog/2020/05/07/physical-dua-lipa/

Una vez que el videoclip de Physical fue publicado, muchos fuimos los que hicimos interpretaciones de los mensajes que Dua nos va contando a través de él. Como bien sabemos encontramos dos diagramas, muchos colores, palabras y una temática sexual indiscutible.

El pasado 8 de Junio, una de las YouTubers más grandes y personalmente mi Youtuber preferida EVER, Ter, hizo un video con un análisis muy puntual. No solo de Physical sino de mis canciones preferidas del disco.

Por eso hoy te voy a contar de este peculiar análisis y por si no lo sabes también te voy a contar quien es Ter.

Aviso que entrar al canal de esta Youtuber es un viaje de ida.

C҉o҉m҉e҉n҉c҉e҉m҉o҉s҉!҉

Ter es una Youtuber española que abrió su canal con un video titulado “Harta de no ser youtuber”.  Un video que tras contarnos su experiencia y deseo por querer estar en la plataforma, nos alienta a hacer lo que en realidad deseamos, superando nuestros obstáculos internos. Contenido y mensaje que encontraremos en muchos de sus videos.

Entre el diverso contenido que Ter nos va regalando en su canal, encontramos, por ejemplo, temas relacionados a la música, la arquitectura (no olvidemos que es arquitecta), a la cultura, la historia, la sociedad; también temas relacionados con el estrés, la ansiedad y nuestra personalidad. Todo esto contado y relacionado de una forma muy particular, ya que Ter nos atrapa no sólo con su contenido, sino con la forma de transmitirlo, y con la forma en la que va hilando y variando ese contenido en un solo video.

Personalmente aprendí unas cuantas y diversas cosas de arquitectura y de la vida en general gracias a Ter. Uno de los videos que, recomiendo fuerte y sinceramente, es el que les dejo a continuación y que se titula “Un concepto que me ha cambiado la vida: la “PERFORMANCE”.

Enorme es la cantidad de videos que hay en YouTube, vendiéndonos conceptos que nos cambian la vida o dándonos soluciones mágicas a nuestros problemas, pero lo que dice Ter en el título de este video, es completamente cierto. O por lo menos lo es para mí y para las personas con las que he hablado y lo hayan visto.

Ver ese video es realmente un antes y un después en como uno ve al mundo y todo lo que nos rodea. En las palabras de la propia Ter:

“Este video te va a cambiar la vida.

Si solo ves un vídeo de mi canal, quizá debería ser este”

Pero para no agregar más y no spoilear nada, acá se los dejo para que ustedes saquen sus conclusiones.

Uno que también cambió mi forma de ver muchas cuestiones mías y de la vida diaria, es el video “EL PLOT TWIST COMO ESTRATEGIA DE VIDA”

Entender y conocer que es un Plot Twist, y poder aplicarlo a sus vidas, es algo que realmente van a agradecer. Y, sinceramente, es una herramienta muy necesaria para la sociedad de hoy en día, que te recuerda cuestiones tuyas de hace 5 o 10 años atrás y te juzga por eso. A VER, uno cambia y evoluciona. Y más allá de la sociedad, aplicarlo por y para uno mismo (que es el point de la cuestión) es algo que los ayudará a avanzar y sentirse mejor. Pero, para entender esta cuestión más en profundidad les dejo el video.

🅰🅷🅾🆁🅰 🆂🅸

Ⲧⲉⲅ ⲩ ⳨ⳙⲧⳙⲅⲉ Ⲛⲟ⳽ⲧⲁⳑⳋⳕⲁ

Volviendo a Dua Lipa y a Future Nostalgia, Ter hace un análisis de los espacios arquitectónicos que hay en los videoclips que fueron saliendo. Y nos cuenta sobre la Skywood House de Norman Foster, donde, por ejemplo, la vemos a Dua jugando golf arriba del techo.

Future Nostalgia es la canción y el clip de mayor análisis, en donde podemos apreciar las referencias que Dua va haciendo en la letra y como se relacionan con las escenas del video. Ter nos va contando y explicando todas estas referencias. Y encontramos grandes nombres como Mies Van Der Rohe o John Lautner.

Cuando llega el momento de hablar de Physical encontramos un enfoque fresco sobre esta canción. Ya que al analizar la estructura arquitectónica del clip y sus espacios, tenemos otra visión sobre la canción. Como bien dije, fuimos muchos los que analizamos Physical, y creo que esto es porque, simplemente, es una maravilla audiovisual. Tener el análisis de Ter complementa con los análisis que fuimos haciendo. Y lo mejor de todo está entre el minuto 12.12 y 12.25, donde Ter expresa lo que todos sentimos acerca de esta canción.

En Break My Heart volvemos a encontrar la arquitectura de John Lautner y los cambios de escala fabulosos que hay en el clip. También exploramos como los silencios juegan un papel fundamental en lo que nos transmite la canción. Llegado al minuto 14 del video de Ter, vemos que ella dice lo que muchos pensamos:

“Lamentablemente mi canción favorita del disco no tiene videoclip”

Todos estamos esperando y NECESITAMOS el clip de Hallucinate (también su coreografía)

Ya para el final del video llegamos a Levitanting, donde Ter hace hincapié en la alegría que inunda a la canción y nos recomienda escuchar todo el disco. Quien no recomendaría escuchar todo el álbum si, sencillamente, es un DISCAZO y como dice ella:

“A mí me encanta!!, yo lo voy a seguir escuchando en bucle pase lo que pase”

░S░a░m░e░ ░T░e░r░ ░S░a░m░e░

Lo que hice fue un breve resumen del video de Ter, ya que no tiene sentido explicarlo al detalle, sino que lo mejor es ir a verlo y disfrutarlo.

Como dije Ter es una de mis youtubers favoritas. El que haya salido este video, sobre un tema musical, fue la excusa perfecta para sumarlo a Criaturas Musicales, pero no recomiendo su canal sólo por estos motivos, sino porque de verdad que es un canal en el cual, de una forma dinámica, podemos aprender muchos conceptos de la vida en general, como por ejemplo, que es un paripé, así como también, que es una catenaria, y a la vez sentirnos identificados con las emociones y situaciones que Ter nos cuenta, acerca de las situaciones por las que pasa un Milenial.

Espero les guste el post y el análisis de Future Nostalgia de Ter, así como su canal. Al final de cuentas, esto se trata de difundir contenido que todos podamos disfrutar, aprovechar y aplicar en nuestras vidas.

Con todo el permiso y respeto, me tomo el atrevimiento de despedir el post con este saludo:

𝔹𝕦𝕖𝕟𝕠 𝔸𝕕𝕚𝕠𝕠𝕠𝕠!!!

P.D.: No podía no hacer una mención especial a Jaime Altozano, de quien también tienen un post especial sobre su canal

https://criaturasmusicales.art.blog/2020/05/07/jaime-altozano/

Y otra mención ESPECIAL a la hija gatuna, Miku, que esta pareja tiene y a la cual todos amamos!

ᴀʀɢᴇɴᴛɪɴᴀ ᴀᴍᴀ ᴀ ᴇꜱᴛᴀ ᴘᴀʀᴇᴊᴀ ᴅᴇ ʏᴏᴜᴛᴜʙᴇʀꜱ ʏ ᴀ ꜱᴜ ʜɪᴊᴀ ɢᴀᴛᴜɴᴀ ♥ 。◕‿‿◕。♥

Soundtracks

EL SUBLIME SOUNDTRACK DE KILLING EVE

“Desde el principio, todos los involucrados querían que la música fuera una gran parte de Killing Eve. Era un guión y una premisa tan audaz que necesitaba tener a alguien seguro de sí mismo que realmente pudiera conducir el drama» Catherine Grieves

Hace muy poquito salió la tercera temporada de la serie Killing Eve, que tiene como protagonistas a Sandra Oh, Jodie Comer y Fiona Shaw -entre muchas otras mujeres increíbles-, y está dirigida por la grandísima Phoebe Waller-Bridge. 

Caracterizada por la fuerza y poder femenino, esta serie está repleta de acción, pasión y mucha música.
La cuarta temporada está confirmada para salir más o menos en abril del año próximo, así que LAMENTABLEMENTE vamos a tener que esperar. Mientras tanto, podemos llorar al mismo tiempo que nos regocijamos oyendo una y otra vez las pistas que acompañan a los personajes en sus aventuras. 

Mientras la agente Eve Polastri y la asesina en serie Villanelle se rastrean la una a la otra por todo el mundo, nosotras y nosotros, los espectadores, nos deleitamos prestando oídos a la música que las une. Señoras y señores, este es, sin duda y hasta el momento, el más hermoso soundtrack que he escuchado. 10/10.

Killing Eve' renueva por una cuarta temporada sin haber visto la tercera

Que la música de la serie me guste tanto no se debe a un fanatismo personal (o sí) sino al empeño que le pusieron l@s encargad@s del trabajo.
Catherine Grieves, supervisora musical experimentada, compositora y jefa de cine y televisión en Faber Music, es una de las mentes detrás del genio musical, y el otro es el músico y compositor ganador del Premio Ivor Novello, David Holmes, productor venerado de sus propios álbumes cinematográficos y un tercio del grupo Unloved junto al tecladista/productor Keefus Ciancia y la vocalista/letrista, Jade Vincent.

Cuando se pensó en la música para Killing Eve, Grieves reservó una banda que haga música con “sonido cinematográfico”: Unloved.
Las habilidades de composición de David Holmes, (según Noel Gallagher “el mejor productor del mundo”), se introdujeron siguiendo el consejo de Catherine, quien luego se deleitó al descubrir que el estilo de su banda «funcionaba totalmente dentro de nuestro mundo sonoro de Killing Eve».
«Queríamos algo de poder y oscuridad y bastante humor, y Unloved tenía eso, pero también tenían un sonido realmente clásico», dice ella.
Anteriormente, Holmes escribió partituras para la serie de películas Ocean’s Eleven, Good Vibrations y su propio álbum debut se tituló “This Film’s Crap Let’s Slash the Seats”, mientras que Ciancia compuso bandas sonoras para personajes como True Detective y The Fall.

«Queríamos asegurarnos de que se usara una voz femenina en la banda sonora», revela Catherine, «ya que obviamente es un drama dirigido por una mujer y queríamos reflejar eso en la música. ¡Pero siempre quisimos una voz interesante, una voz muy fuerte!”
La vocalista Jade Vincent cumplió a la perfección con lo que Grieves buscaba. Sonando suave y fuerte al mismo tiempo, casi pasando desapercibida pero haciéndose notar en cada nota. Como una narradora omnisciente, un sujeto tácito en todo el espectro musical.

Lo loco en todo esto es que los álbumes que forman casi un tercio del soundtrack completo de la serie, son álbumes que Unloved había sacado antes.
El primer álbum del trío, Guilty of Love, se lanzó en 2016, y su continuación Heartbreak se lanzó el año pasado (2019). Sin embargo, la música y las letras de Unloved se sincronizan perfectamente con la historia de la serie, casi como si se hubieran creado expresamente para ese propósito.
«Fue extraño», agrega Keefus, «hubo tantas situaciones geniales que el contenido lírico coincidía de la manera correcta y otras veces las piezas instrumentales perfectas para adaptarse al estado de ánimo».

Pistas como “I Could Tell You, But I’d Have To Kill”, “Xpectations” y “When a Woman Is Around” encajan tan bien, que se van entretejiendo junto con nuevas piezas musicales.
La canción “Cry Baby Cry” complementa majestuosamente escenas inundadas de carga emocional; por ejemplo, cuando Eve y Villanelle se ven frente a frente, ahora sabiendo cada una quién es la otra; o más adelante en una escena INTENSA, de la que solo voy a decir: «are you scared?».
Es realmente impresionante la coincidencia. La esencia de Killing Eve, y la de Unloved, son una sola.

Dice Holmes: “El matrimonio entre Unloved y Killing Eve funciona. Es como si todas las pistas estuvieran escritas para ello, pero, de hecho, ninguna de las pistas lo fue. Se habían hecho en décadas casi diferentes. Funcionó brillantemente para nuestra banda. Estas cosas no suceden muy a menudo y estamos muy agradecidos».

Solo en la tercera temporada, Unloved ha escrito canciones específicamente con Killing Eve en mente. El sencillo «Why Not» inició el estreno de la temporada, y su versión de «Strange Effect» de The Kinks se reproduce durante una escena crucial entre Eve y Villanelle en el tercer episodio.

Una de las particularidades de esta maravillosa serie, es que sus escenarios se suceden en distintas partes del mundo, y es de crucial importancia que este aspecto esté acompañado por música que complemente ese sentido de “internacionalidad”.
Catherine señala, en relación con la primera temporada: «Hay un par de canciones de Serge Gainsbourg en el primer episodio que marcan la pauta totalmente cuando están en Francia, y luego un electro alemán realmente oscuro en el tercer episodio cuando están en el club nocturno de Berlín”.
Jacqueline Taieb y Bertrand Belin nos conducen por algunas capitales francesas, y en amsterdam nos encontramos escuchando una canción hermosa de la holandesa Willeke Alberti, titulada Vlinder Van Een Zomer (el ángel de la mañana).
No puedo dejar de mencionar una hermosa escena, durante un viaje en coche, donde escuchamos la famosa Listen To Your Heart, de Roxette.
Grieves y Holmes se mantienen fieles a la idea original de elegir música de los países en los que tienen lugar las escenas. Esto a veces es fácil, como en Francia, Italia y España. Y a veces no es tan simple, particularmente en países germánicos y de Europa del Este, lo que resulta excepcionalmente problemático en Rusia.

BBC One - Killing Eve, Series 2, Smell Ya Later


«Hay una canción rusa que Villanelle baila cuando es el cumpleaños de [su jefe] Konstantine y es una especie de canción popular rusa clásica llamada The Dark Eyes«.
Las artistas hispanohablantes también participan en la musicalización, mayormente en la temporada tres. Oímos a las españolas Concha Velasco y Adriángela, con las canciones Calor y Nunca Hay Bastante, respectivamente.
“Cuando me pidieron que hiciera Killing Eve ”, dice Holmes, “dije dos cosas: una, la música debería ser dirigida por mujeres, y dos, en cualquier país en el que nos encontremos, debería tener música de ese país. Les envié una gran carpeta de ideas, con algunas pistas de Unloved que había elegido a mano. Obtuve el primer episodio y había tres pistas de Unloved que encajaban como una mano en un guante”.

Los productores de Killing Eve tenían la intención de encontrar música original, cualquier cosa que no haya sido hecha por Unloved tendría que destacarse.
Artistas como Cigarettes After Sex, Julia Michaels y The Pshycotic Beats fueron seleccionados entre los tesoros personales de David y Catherine.
«Killer Shangri-Lah tiene unos 10 años, pero es una de esas situaciones en las que te encuentras con pequeñas gemas y un día estás trabajando en el proyecto para el que son adecuadas»


Para Catherine,la «originalidad» sigue siendo la clave. «Killing Eve tiene un sonido muy específico (…)”
«Intenta encontrar música que no se haya usado un millón de veces antes y trata de aprovechar realmente de qué trata ese espectáculo o película y lo que está diciendo, e intenta crear eso musicalmente».

Si bien no suena contemporáneo en lo más mínimo, Unloved es uno de los pocos artistas actuales en la banda sonora de Killing Eve. El resto se elige principalmente de la década de los 60´, que contribuye en gran medida a darle a la serie una calidad intemporal. La música se dispara a través de escenas, lo que aumenta el impulso mientras aumenta el suspenso.

“No se trata sólo del guión, se trata de comprender el mundo, la emoción del mundo, los personajes. Una vez que me lo llevo a la cabeza, siento mi camino a través de él en lugar de pensarlo. Constantemente estoy recopilando información hablando con un director. Quiero escuchar los trazos amplios y la simple emoción del estilo, de lo que intentan decir. Toda esa información me ayuda tanto como leer un guión». -David HolmesDice Grieves: “La clave del éxito de Killing Eve es que en cada episodio tenés sus pistas de puntaje, las pistas de Unloved y tres o cuatro canciones que no tienen nada que ver con ninguno de esos, sino porque [Holmes] tiene control sobre todo, hay una conexión real a lo largo de cada episodio y todos se sienten como uno solo»

Killing Eve' 2x01: Análisis del capítulo - Serie HBO

por: https://twitter.com/florilegio__

Reseñas

DIGAN LO QUE DIGAN, ¡LA MÚSICA ES LUCHA! || MAFALDA

Nueve músic@s en un escenario, cantando palabras que forman caos.
“Imprevisibles en el sonido, coherentes en el mensaje, radicales para analizar los problemas; ellas son Mafalda. Creadoras de su propio género y acuñando un sonido cada vez más propio. La banda valenciana explota todo su potencial en cada escenario con un nuevo espectáculo de luces y sonido.”
Pisando fuerte y dejando profundas marcas con cada una de sus canciones; golpeando a la injusticia en la cara y alzando la voz por las que no pueden.

Marcos (Voz)
Vera (Voz)
Bárbara (Voz)
Vime (Batería)
Antoni (Guitarra)
Berto (Guitarra)
Mario (Bajo)
Mireia (Saxo)
Ferran (Trombón)

Mafalda es un grupo de música combativa nacido en 2010 en la ciudad de Valencia, España. La componen 9 músic@s procedentes de varios pueblos del Túria.

“El nombre de Mafalda salió hace años de una canción de Ismael Serrano llamada «Buenos Aires» (2001), en la que una de las frases decía “Mafalda juega a la guerra nuclear”, y esa frase nos inspiró. En ese momento no conocíamos la implicación política que llegaría a tener Mafalda, y tras pasar estos años, el nombre ha resultado ser parte de nuestra lucha.”

Se destacan, principalmente, por sus letras empoderadas y peligrosas para el sistema, al que atacan sin miedo con mensajes imponentes y metáforas muy inteligentes. Sus discos son protesta; antiespecismo, feminismo, consumismo, libertad.
El sonido que crean acompaña de manera sublime los discursos con los que el grupo expresa su descontento. Danzan entre el funk, rock, hardcore, mestizaje, reggae, ska, y puede que algo más, ya que en cada nuevo material van aumentando su espectro musical y añadiendo nuevos estilos. Ellas mismas llaman a esta fusión REGGAECORE

Su primer trabajo lo editan en 2012, con el nombre de “Música Basura”. Un discazo con unas letras destructivas que te dejan con la boca abierta; y ni hablar del potencial musical. En una misma canción, desvarían entre el reggae y voces guturales, con partes instrumentales donde unas trompetas muy enérgicas se llevan toda la atención. Música muy eufórica y sentida, para cantar a los gritos.
Con el lanzamiento de este álbum editaron el videoclip “La Rosa”; y más tarde, con la colaboración de músicas y músicos amigos, grabaron el clip “No se vende”, donde vemos un grupo de trabajadoras y trabajadores luchando contra su jefe en una clara crítica hacia la industria musical y una declaración de principios con respecto a la cultura de la misma: ¡NO SE VENDE!

En 2014 sacan “Nos deben una vida”, álbum donde encontramos una de las canciones por la que se hicieron más conocidas: “En Guerra”. Con mucho ritmo y estruendo, este tema le hace frente al patriarcado, y se acompaña con un videoclip muy interesante que nos deja reflexionando.

En este álbum se nota un sonido más “fino” podríamos decir. Con más participación de Vera y Bárbara en el canto, y mayor calidad de sonido; aunque por supuesto, el anterior no tiene nada que envidiarle.
Las letras siguen en la misma onda, rebeldía militante y combativa. En la canción “Recuperar Mi Vida”, la banda hace un duro análisis sobre el consumismo y lo que nos inculcan los medios de comunicación, recalcando la importancia de que “mi vida es mía y la voy a recuperar”, dejando de lado las influencias externas que quieren dominarnos.

“Soy lo que la tele me ha enseñado
yo no cambio de programación
Estoy muy segura de mis gustos
lo dice el presentador.”

En el tiempo que estuvieron de gira presentando este disco, surgió una colaboración con Combo Calada: “Ya te llamaremos”, donde el video es MUY ilustrativo, y la letra todavía más.
“[…] Va para las que están intentando trabajar de lo que aman a pesar de todas las trabas y luchan por sacar su negocio y su ilusión adelante. Va para una generación ninguneada y tirada a la basura. Tenemos un montón de cosas que decir pero para eso hemos hecho esta canción; esta es nuestra manera de expresarnos […]”

También hicieron un rap crítico en el programa online “La Tuerka” hacia la Monarquía y la República como sistema político, social y económico. Esta canción no está dentro del disco, pero la pueden encontrar en YouTube buscando “Mafalda – La Tuerka”

La Última Vez Que Te Escucho (2016) es el penúltimo disco, el cual las posiciona en todo el estado español y lleva a la banda a los mejores y más importantes festivales del estado.
Hardcore + Reggae: Mafalda
Siguen con su esencia musical intacta, pero siempre sorprendiéndonos y permitiéndonos escuchar cosas nuevas y distintas en cada disco.
Este álbum tiene una combinación increíble, se dejan escuchar con fuerza sin ser gritonas y siempre tienen algo valioso que decir.
Dentro de él encontramos joyitas como “deConStrucciÓn (C.S.O.)”, una canción llena de mensajes importantes y valiosos que hablan sobre la deconstrucción del ser para una nueva y renovada visión de las cosas.
“¡Eh, oh! tienen el control de todo lo que pienso, y yo no miento, no. ¡Eh, oh! tengo este dolor que me deja sin aliento

Otro de los temas que componen este tremendo álbum, es “Agua Negra”, donde cantan en contra de los agrotóxicos. Un discurso sobre la contaminación y los problemas ambientales, junto con una firme crítica hacia industrias como Monsanto y Bayer.

“Contaminado, aún no te has organizado,
intestinos controlados por los hilos del mercado.
Contaminado, mantente siempre informado
el agroterrorismo ya está constitucionalizado.

También disfrutamos muchísimo “Absurdas pero necesarias”, donde Mafalda des-romantiza las relaciones de pareja, el concepto de “media naranja”, los estereotipos impuestos, casamiento, hijos y toda la chorrada de tópicos que tanto conocemos y nos afectan.

“Otra vez me equivoqué, confundí el amor y el sexo,
incapaz de mantener una amistad por un cliché
Absurdas pero necesarias, relaciones que nos llevan a un suicidio en masa
noooo…no quiero
noooo…
nooo… no soy una posesión rendida a tu placer

En este disco, Mafalda expresa su desacuerdo con el abuso policial, la destrucción del planeta, la libertad, el consumismo, el feminismo, las guerras…
Según la propia banda, “este trabajo es la culminación de años de trabajo duro, de muchas experiencias y vivencias en las que hemos aprendido tanto de música como de autogestionar nuestras vidas”.
Hicieron diferentes colaboraciones, una de ellas con Sara Hebe; la canción en cuestión se llama “La llorona” y tanto letra como videoclip cuentan con una preparación excelente.

2018 es el año donde sacan su último disco hasta el momento: “Palabras forman caos” Este trabajo propone un reto y obliga a viajar al centro de tu universo para descubrir las palabras que forman tu caos y el concepto que las define.

Entrado el 2018, nos sorprenden sacando a la luz un documental titulado con el mismo nombre que la canción más popular del disco: “Las Que Faltaban”. Tanto el tema como el documental, hacen un recorrido por las vivencias y experiencias de las mujeres que vertebran el panorama musical.
En la canción, cuentan con la colaboración de Rebeca Lane, acompañando hermosamente este rap feminista que pronuncia nombres de mujeres de la historia que quizá nunca antes hayamos escuchado.
Con la salida de este disco, el grupo valenciano da un salto cualitativo; tocan en salas de mayor capacidad en todo el país y se meten en los carteles de todos los grandes festivales.
Celebrando sus 10 años de trayectoria han iniciado una gira internacional, dando el salto a tocar en ciudades Europeas y Latinoamericanas (¡estuvieron en Argentina!)

Además del videolyric de “Las que faltaban”, con el lanzamiento del disco publican un videoclip: “Mi Pena y Mi Suerte”. Repleto de melodías pegadizas y alegres, este tema realza el sentimiento de lucha, y nos motiva a alcanzar lo que deseamos.

Sacaron un single en 2019, titulado “X”, y recientemente participaron en algunas colaboraciones, como la de Tremenda Jauría, cantando el reggaetón «Tú no eres mi papi»

Con un talento indiscutible, Mafalda se trabaja y gana sus espacios sin renunciar a sus ideas. Una banda potente y unida cuya música hoy más que nunca es necesaria y urgente. Música real y sentida, con cosas que decir, y mentes que abrir.

¡¡Larga vida a Mafalda!!

por: https://twitter.com/florilegio__

Noticias

Brian May es elegido como el mejor guitarrista de la historia del Rock

Brian May, integrante de Queen, fue considerado el mejor guitarrista de la historia del rock, según los lectores de la revista británica Total Guitar. El medio llegó a este resultado tras recopilar los datos de una votación realizada por los lectores y seguidores de la revista.

El guiarrista quedó sorprendido por este resultado y lo transmitió de esta manera:

«No tengo palabras. Estoy alucinando. Es completamente inesperado. Obviamente, me emociona profundamente que la gente piense en mí de esta manera”

«Nunca voy a decir que soy un gran guitarrista virtuoso. Supongo que esto me dice que lo que hice llegó a la gente. Intento tocar con el corazón».

También agregó que Hendrix es su ídolo y que Page siempre fue su referente.

Cada vez que salen este tipo de noticias el mundo empieza una discusión sobre si esto es cierto o no, y el fanatismo no bien encausado, ni transmitido, lleva a discusiones sin sentido.

Mas allá de si crees, o no, que May tiene su merecido reconocimiento, lo cierto es que es un guitarrista con un sonido impecablemente limpio a la hora de la ejecución. May sabe darle el toque necesario de Rock y la sutileza que muchos dejan de lado. Sabe darle el color que pide la canción en el momento adecuado. Y no dejemos de lado que es uno de los grandes creadores de himnos y riff en la historia del Rock y de Queen.

En mi criterio si algo tiene que tener un guitarrista para llegar a ser una leyenda, es que su toque y sonido sean reconocibles al instante de ser escuchados y el señor Brian May, definitivamente, cumple con esa condición.

Acá te comparto un clásico para que escuches, analices, revivas y disfrutes

Long Live To Brian May

ꙅɘɿbᴎA

Noticias

Lady Gaga vuelve a lo grande con Chromatica

Ayer nuestra diva del pop finalmente hizo el lanzamiento oficial de su sexta obra de estudio. Una que fuimos siguiendo al detalle, que nos cargo de expectativa y nos atrapó desde el principio.

Chromatica no es solo un disco nuevo, sino una obra conceptual exquisita, donde aparte de tener devuelta a la Gaga con su mas puro estilo pop (algo que por cierto extrañábamos), también podemos ver como esta vez buscó ir más allá, evolucionar y llevarnos de la mano a nuevos universos sonoros como el K – Pop o la electrónica, pero manteniendo su marca indiscutible.

La fusión que Gaga y los productores hicieron a la hora de mezclar diferentes ramas musicales, formando así la columna vertebral de lo que es Chromatica, es un trabajo admirable.

El album, al igual que La Divina Comedia de Dante, está dividido en 3 partes.

Chromatica I, II y III, a lo largo de 16 canciones, y alrededor de 40 minutos, toca temas como el empoderamiento femenino, el consumo de medicamentos y los vínculos amorosos.

“Esta es mi historia real, no es necesario ponerla en aleatorio.”

“Este disco se trata sobre el amor, la sanación y ser valiente”

“Amar a alguien requiere de mucha valentina”

Lady Gaga acerca de #Chromatica

Todas las canciones fueron escritas por Gaga y BloodPop, quienes también estuvieron encargados de la producción junto a Marx Martin, Rami Yacoub y Skrillex, entre otros.

Lady Gaga demuestra una y otra vez que está a la vanguardia, que es una visionaria y que su deseo de superación va de la mano con su éxito y trascendencia.

Como dije anteriormente Chromatica es una obra magnifica. Viene cargada con mensajes ocultos, una simbologia digna para tomarse el tiempo de analizar, un arte de tapa fenomenal, una temática futurista impresionante y unas melodías pegadizas que te hacen cantar, bailar y querer volver a escuchar.

Proximamente haré un análisis detallado del álbum, analizando puntualmente el arte que nos regala en cada aspecto; contaré algunas curiosidades y les traeré imágenes exclusivas de los clips, el álbum en formato fisico y del pre y post lanzamiento. Porque aparte de la excelente música que podemos encontrar en este disco, también es una obra visual descomunal con la cual nos quedamos maravillados.

Nos vemos pronto y recuerden, Todos somos Criaturas Musicales después de todo.

Andrés

Noticias

Lady gaga, BLACKPINK y el lanzamiento sorpresa de Sour Candy

Después del tan esperado y exitoso lanzamiento de Rain on me, junto a Ariana Grande, Gaga nos trae Sour Candy.

Una canción con un sonido completamente actual que va de la mano con la electrónica y el K – Pop.

La colaboración con las BLACKPINK es una que da mucho que hablar por el hecho de unir, no solo a Jisoo, Rosé, Lisa y Jennie con Gaga, sino también, a dos idiomas completamente distintos, pero que estas mujeres hicieron encajar de manera impecable.

Algo que pudimos conocer es como nace la idea de esta colaboración y viene con las palabras de la propia Mother Monster.

«Llamé primero a BLACKPINK para sugerir que trabajásemos juntas. Las integrantes de BLACKPINK estaban felices y se mostraron entusiasmadas con el proyecto, así que pudimos colaborar gracias a eso. Quiero dar apoyo a las mujeres poderosas como BLACKPINK, y ellas piensan lo mismo», señala Gaga en una entrevista con TVGroove. También asegura que ambas son muy fans de la música que crean, por lo que ha sido muy sencillo que «este proyecto se haya llevado a cabo de forma natural».

«Son unas preciosas mujeres jóvenes y tienen mucho talento. A través de esta colaboración me sentí orgullosa, como si me hubiera convertido en la quinta integrante de BLACKPINK».

Sour Candy tiene todo el aspecto futurista que acompaña a Chromatica y solo falta UN DÍA para el lanzamiento completo de este álbum.

La movida crece cada vez más junto con la expectativa, la ansiedad y las ganas incontrolables de escuchar el disco completo.

Reseñas

SUSI PIRELI

Uno de los descubrimientos más significativos que hice durante el año pasado (y hasta de los más significativos de mi vida diría), fue el de este dúo con nombre de mujer que existe desde 2016 y no deja de enamorarme: Susi Pireli, una muchacha desconocida, creada y recreada canción a canción.
“De Susi sabemos que es una señora, pero no mucho más”

Canta con su voz dulce y cálida, la poeta, docente y cantautora Paula Trama, acompañada por Inés Copertino (productora musical) en teclados, programaciones y coros. Ambas forman parte también de otros proyectos musicales: Paula canta y toca la guitarra en Los Besos e Inés es tecladista en Amor Elefante, bandas por demás que recomendadas también.

Nace, Susi Pireli, en un encuentro de poesía; “como señora y criatura de fantasía”.
Allí la canción pop se anima a la deconstrucción y alcanza su faceta más electrónica. Su sonido patina y desvaría entre géneros: del pop al bolero, del huayno a la música gitana, y de vuelta a la canción.

“Esto no es sólo una declaración,
son tres preguntas que quisiera hacerte
cuando se junten
nada más tu piel y mi piel”
Declaración jurada


Susi es el nombre de su disco debut. “Poemas que son canciones” es la definición de los temas con los que nos deleita esta dupla creativa y amorosa. Nos queda muy en claro que Susi cuenta con una poeta al frente; Paula lo demuestra dejando su marca con canciones y poemas de una sensibilidad desbordante. Así lo vemos en canciones como “23 almohadas” (cantada junto a Tuti Curani), donde lo que suena es un fondo musical muy relajado y alegre, y encima de él un recitado sobre una guerra de almohadas con besos de por medio.
“Siento que las palabras son el lugar en el que pongo el foco, pero el alma de las canciones está en las narraciones”, declara Paula.

Como continuación a su primer álbum, nos deleitan con un sencillo tan sencillo, valga la redundancia, como emotivo. En el comienzo del mismo, titulado “Mientras Escaneo”, escuchamos unas notas que nos recuerdan a “El Amanecer” de Edvar Grieg, para después sí empezar con la melodía que le da identidad a la canción.
El sonido del teclado se enlaza con la voz de Paula transportandonos a otro plano, uno en el que reinan la delicadeza y la intensidad a partes iguales.
Y como cuota de emoción, en el medio escuchamos una flauta que nos inunda de sentimientos.


“Y si nace una canción
será abortada

Porque hoy solo quiero
hoy
solo
quiero

Que sea solo una invitación para bailar
Que sea solo una indicación para bailar”

Poción


Un año después, en 2019 lanzan la bailable y pegadiza “Porcelana”.
Con una sólida base de sintetizadores y un ritmo súper juguetón, las chicas nos deleitan con esta divertida canción donde la letra se combina con aullidos y chasquidos, y nos recuerda, por momentos, los atrevimientos de Miranda!
«Y las señoras me miraban a mi, y las pibitas te miraban a vos…»

Y el mismo año sacan “Poquita Fe”, explorando un nuevo formato que multiplica su potencia sonora junto a Lu Pivetta en bajo, Ana Sofía en saxo y flauta traversa, y Roki Fernández en batería.


“¡convídenle cerveza,
llénenle el vaso,
pásenle el trago a Ine!
porque con un rico traguitó
las plumitas mejor volán”
Ine en NY


Esta canción, “Ine en NY” es una suerte de carnavalito, con un sonido medio oriental (por momentos me recuerda a “Canción para bañar la luna” de María Elena Walsh) muy especial.
Sí, las Pireli definitivamente pueden salir con cualquier cosa, INCLUSO se animaron recientemente al reggaeton, aunque suave, con toques pop. El tema en cuestión se titula “Robadora”, y forma parte de “Mala Reputación”, una iniciativa de Goza Records y Latfem para hacer «Una memoria feminista en canción».
“Fue un experimento porque no sólo coincidió con una escucha nueva sino con una forma de componer», relató Paula sobre la experiencia.

«Son canciones de mujeres que revalorizan su mundo y su visión de la historia, que hablan de sueños, amores, problemáticas, vidas y luchas, canciones intimistas de amor y de pañuelo verde que levantan la voz para hacerse escuchar entre el patriarcado.»

por: https://twitter.com/florilegio__

Reseñas

«Se hace rock o no se hace nada» Go! Tama

Cuando escuché esto por primera vez, año 2016 quizá, quedé maravillada. Por aquella época no escuchaba mucha música en español -específicamente música Argentina- porque no conocía tantos artistas que me gustaran, o capaz porque rechazaba un poco la idea de que hubiera bandas nacionales que fueran tan buenas como las internacionales (cualquiera, I know).
Una tarde vi en la tele una publicidad de un vino espumante, y el singe que usaban ME ENCANTÓ (se llama “La burbuja en la que vive uno de los Navarro Correas”). Busqué la publicidad en youtube y traté de descifrar algo de la letra para googlearla, pero no encontré nada. Empecé a leer los comentarios y me enteré de que a la canción la habían hecho exclusivamente para esa publicidad PERO alguien puso el nombre de la chica que la cantaba: Eugenia Cobos.
Así conocí a Go! Tama.

“Delincuenten hasta diez,
vamos a escondernos de todo
Adornando la pared,
vamos a escondernos…
de todo…”
El verano que salimos campeones – Audición Secreta


Esta banda que canta sobre locura(s) y peugeots, viene, según sus propias declaraciones, “del centro de la galaxia, directo al corazón de Buenos Aires”
L@s integrantes de Go! Tama se autodefinen como: “Banda federal, reunida porque el viento quiso, en la capital federal. Militante de las filas de la autoexploración. Pasea por el rock, el indie, el punk y el pop, y encuentra nido entre Flema y Radiohead, sin distinción. Perfeccionistas sádicos que van sacrificando sus partes en pos de lo único que respetan, la música.”


Hasta el momento tienen publicados dos álbumes: Audición Secreta y El Asentamiento, y un single de dos caras que dieron a conocer hace poco: Fiestas Electrónicas.

Y es que hoy nos pusimos serios
Y de a dos llegamos a un acuerdo
dejamos el infierno
en el horizonte…”
Furgón – Audición Secreta


El primer álbum, mi predilecto, tiene canciones súper atrapantes, bastante fuertes y alternativas. Temas como “Rap Cerebral (Sheeva)” y “La Insoportable Intencionalidad del Rock” hacen que quieras empezar a saltar frenéticamente y cantar a los gritos (bueno, no sé si tanto). La cantante, Eugenia Cobos, tiene una voz medio rasposa que le da un toque más rockero del que ya de por sí tienen las canciones.

“Lo que te gusta a vos
no me gusta a mí
por qué nunca te quedaste a dormir

No vas a tener para comprar
No vas a tener para tomar
y esa es mi maldición”
La Reina de la Fiesta – El Asentamiento


En “El Asentamiento” no vemos gran diferencia con “Audición Secreta”, pero este disco es más popero e incluso podría decirse melódico; lo notamos, por ejemplo en “La Estaticidad”, una de las canciones más tranquilas que tiene la banda. El álbum tiene una onda más Indie y menos de rock pesado que el primero, sin perder lo alternativo, que está presente en todas las canciones.


Dejame hacerte esta confesión
ahora que estoy loco
no me importa ser el mejor
me conformo
con tan poco”
La Estaticididad – El Asentamiento


En Fiestas Electrónicas se nota más el uso de los sintetizadores y se termina de cerrar lo que sería un EP Indie propiamente dicho. Con una base rítmica de batería y bajo generando un clima un poco más calmado (paradójicamente teniendo en cuenta el nombre), aparece, con su característico timbre de voz, Eugenia Cobos cantando los versos simple de la canción. Versos que se repiten y van complementándose con riff de guitarra muy sutiles.
En el lado B del disco, “Hermosa Locura”, sentimos un ambiente más tranquilo y menos electrónico. Música que podría decirse tropical, con frases que aluden a la playa y algún amor de verano. Amor por esa locura.

Todas las canciones de este grupo tienen un sonido muy original y PeGAdizO ~
Las letras son una genialidad. Eugenia canta sobre lo cotidiano y agrega metáforas muy inteligentes, junto con frases de doble sentido y mensajes subliminales. Es muy divertido. ¡Escuchen Go! Tama!


“y cuando fuimos a la playa
quería lucir su malla
alguien lo interrumpe y le pregunta
si tiene señal
él le dice mirá andate de acá
con tu celular,
a mí dejame en paz”
Hermosa Locura

A lo largo de este trayecto musical, incluyeron a muchas y muchos músicos en sus producciones y actuaciones, pero la banda como tal está compuesta por quienes aparecen a continuación:


Eugenia Cobos en voz y guitarra;
Juan Manuel Drangosch en bajo, acústicas y producción;
Pedro Moran en guitarras y juguetes tecnológicos;
Ramiro Pereyra en batería.

por: https://twitter.com/florilegio__